PODER FEMENINO


Quizás era mi insomnio. Quizás mis prejuicios. Quizás era que macho que se respeta no va a ver a Camila. Lo cierto es que no me animaba mucho ir al concierto del grupo mexicano. Como yo, muchos amigos me comentaban lo mismo. Que sólo he escuchado dos canciones, que no es mi tipo de música, que es un grupo para chiquillas.

El viernes por la tarde finalmente había llegado temprano a casa. Dos reuniones se suspendieron y a las 6 estaba echado sobre mi cama intentando dormir, algo que no había podido hacer de corrido en las últimas semanas. Quizás hacerlo tan temprano era contraproducente, pero en verdad estaba cansado. No podía perder esta oportunidad.

Como de costumbre, aprovecharía para ver una película. Luego, ya instalado y acomodado en mi cama, seguramente me dormiría. Usualmente sucede así. Es un buen método. Escogí “La Casa Remolienda”, cinta chilena en la que actúa mi buen amigo Lucho Gnecco. La película empezaba bien. Sin embargo, no contaba con que el cansancio en esta oportunidad era mayor que mi cinefilia. No ha sido una semana fácil.


El gran problema de dormir temprano es el teléfono. Siempre suena. Cruel e inesperadamente. Era Fiore, mi esposa y jefa de prensa del concierto de Camila, así que contesté. En realidad no era ella sino Juan Carlos, gran amigo de aventuras cusqueñas y uno de los líderes de la cadena Phantom Music Store. Me decía que tenía que estar en el concierto, que me esperaba. Hace tiempo no veía a mis buenos amigos de Phantom y esta era una buena oportunidad para saludarnos y reír un rato. Chino de sueño, me levanté y decidí ir al concierto de Camila.

Llegué al Jockey Club, entre una enorme cantidad de chiquillas que corrían intentando tener una buena ubicación. Una insospechada convocatoria. Nunca pensé que un grupo como Camila, con sólo un disco y unas cuatro canciones conocidas pudiera repletar un concierto. Buen ojo empresarial, sin duda. Aún así, luego de conversar un rato y de caminar entre la gente, me empecé a arrepentir de haber ido. ¿Qué hacía yo en el concierto de Camila? ¡Por Dios! Yo soy un rockerazo. Tengo alma de ochenta. Casi un cuarentón. Fui a ver a Megadeth, soy fanático de Peter Gabriel, ¿no es una contradicción estar en Camila? Me convertía en una víctima de mis propios prejuicios. Craso error.

Acompañaba a Fiore, quien corría de un lado a otro acreditando a la gente de prensa. De repente empiezan los gritos. Gritos normales que recibían con entusiasmo a un grupo de chiquillos peruanos llamados Addamo. Lo hacían bien. Su onda juvenil conectaba con el promedio de edad, 15 y 16 años, que empezaba a abarrotar el recinto. Para esa hora, calculaba unas 5,000 personas. Pronto me confirmaría que éramos 8,500.

Luego de Addamo, todo parecía calmo. Por ahí algunos grititos. Energizante de por medio, había espantado al sueño y escogía mi ubicación para ver el concierto. Los adolescentes seguían llegando y por ahí también aparecía una que otra veinteañera y hasta treintañera romanticona. Todas bien acompañados por un nuevo espécimen del macho que se respeta, quien caminaba tratando de reafirmar que sólo había ido acompañado a su enamorada.

Desde hace buen rato, un sándwich de hot dog me hacía ojitos, pero trataba de evitarlo. En casa hay arroz con pollo, me repetía. De repente las luces se apagaban y aparecía Camila en escena. Es difícil describir el estruendoso grito escuchado en el Jockey Club. Sin duda, nunca mejor escogida la entrega de muestras gratis dentro del concierto: pastillas para la garganta. Muchas la iban a necesitar.


No exagero al decir que jamás había escuchado una ovación tan grande. Creo haber ido a muchos conciertos, sin embargo es primera vez que percibo realmente el poder femenino. Miles de chicas gritando y coreando cada una de las canciones de Camila. ¡Se las sabían todas! Y claro, éxitos como “Todo Cambio”, “Coleccionista de Canciones” o “Sólo Para Ti”, simplemente provocaron un contagioso delirio. Y digo contagioso porque a mitad de concierto era imposible no sonreír con simpatía y hasta emocionarse con las expresiones de cariño del público. Sobre el escenario el grupo mexicano no podía creer lo que sucedía.

El buen sonido, las impecables luces, la brillante organización, el carisma de los integrantes del grupo, todo, absolutamente todo fue opacado por el entusiasmo y la energía de un público que no dejaba de entregarse a la música. Sin duda, una lección para los eruditos que descalifican bandas por ser comerciales o subestiman a los oyentes por su poca capacidad crítica. Como en el cine, en gustos y colores no hay nada escrito.

La música es una sensación y las 8,500 personas que estuvimos en el concierto de Camila sentimos algo emocionante que para muchos, como yo, resultó inesperado. Mientras regresaba a casa no podía dejar de cantar: “Antes que pase más… Tiempo contigo amor… Tengo que decir que eres el amor de mi vida… Antes que te ame más… Escucha por favor… Déjame decir que todo te di…” Esa noche finalmente pude dormir tranquilo.

FOTOS: Camila Who?: La banda mexicana conquistó al público peruano, compuesto principalmente de jóvenes y eufóricas adolescentes, principal responsables de una noche emocionante.
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LA METÁFORA DE LA ARDILLA


Hay películas dirigidas a un público determinado y que muchas veces por prejuicio uno las deja pasar. Hasta que de repente, mientras haces zapping, la encuentras y la disfrutas. Otras veces, tus hijos te obligan a comprarla en DVD y como la idea de esta compra también es compartir, pues te sientas a disfrutar de la película. Lo simpático sucede cuando empiezas a reírte tanto como tu pequeño. Incluso más.

Como ya lo comenté antes, disfruto viendo películas en DVD. La calidad es envidiable y a veces resulta más cómodo que ir al cine. Ojo, disfruto de la oscuridad del cine, de su magia. Sin embargo, me desesperan los ruidos, la gente hablando durante la película o las fallas técnicas de algunos “modernos” multicines (el día del estreno de Indiana Jones 4, la pantalla se oscureció y algunos espectadores tuvimos que salir para que el operador solucionara el problema). Igual, creo que hay películas que se deben de ver en una sala, aunque la tecnología hace que cada vez podamos vivir con mayor intensidad esta calidad en casa.
Recientemente me divertí con “Alvin y las Ardillas”, un sorpresivo éxito en el mundo que ya anuncia segunda parte. Sé que el cine infantil, un género o tipo de cine poco explorado en el cine peruano (a excepción de las animaciones de Alpamayo), suele ser un éxito. Los niños jalan a los padres y tienen la maravillosa capacidad de ver una y otra vez una película y disfrutarla como la primera vez. Aún así su suceso en taquilla me llamó mucho la atención.


Decidí verla. Y mientras lo hacía, enternecido por Alvin, Simón y Theodoro, practique un ejercicio crítico que me pareció realmente divertido. ¿Qué pasaría si “Alvin y las Ardillas” fuera firmada, digamos, por Woody Allen, Tim Burton, Martin Scorsese o algún respetado realizador? Es probable que hubiera sido tomada más en cuenta. Que los comentarios hubieran escarbado cada plano de la película en busca de un preciado significado. En ocasiones me encuentro con críticas que buscan o insisten en metáforas que al menos yo no percibo. Alguna vez vi una entrevista en la que un respetado crítico entrevistaba al importante realizador neoyorkino Jim Jarmuch. El entrevistador comentaba una imagen poderosa. Un perro aparecía en una toma. La metáfora era evidente. El perro, sólo y sin hogar, contrastada con los personajes había llamado la atención del crítico. La pregunta siguiente era evidente. “¿Cómo se te ocurrió?”. La respuesta de Jarmuch fue simple: “No lo sé, simplemente el perro se cruzó en la toma”. Buscarle cinco pies al gato, parece ser la consigna.

Una película como “Alvin y las Ardillas” no es vista por muchos críticos (a no ser que la firme un director importante). Las pasan por alto, incluso, las desprecian. Ojo, no todos. Pero, seamos sinceros, hay mucha pose en todo esto. El asunto es que viendo la cinta infantil, decidí encontrar, o forzar, metáforas. Quizás era un ejercicio nulo que buscaba elevar un film que me divirtió. Quizás me empujaban mis ganas de fastidiar un poco. No lo sé.

La película no tenía mayores pretensiones. Sólo quería divertir. Sin embargo, descubrí varios mensajes. Varias metáforas. El principal: esa increíble alegoría sobre el éxito, las grandes empresas, el abuso a las estrellas infantiles, la crisis de los treinta, etc.


Sumerjámonos en ella. Las ardillas aparecen en busca de hogar. Tienen talento. No sólo hablan, también cantan. Y lo hacen bien, mucho mejor que muchos chicheritos locales. El padre adoptivo trata de protegerlos, aunque su primera intención es albergarlos a cambio de explotar su talento. Los intereses son evidentes. “Cantarán mis composiciones”, les dice. Los pequeños roedores aceptan, pero en la presentación se sienten cohibidos ante gente extraña. No están acostumbrados. El plan del padre fracasa, pero es incapaz de echarlos a la calle. El compositor de treinta y tantos tiene su corazoncito. Las ardillas le han caído bien. Realmente son animalitos irresistibles, pese al caos y a los destrozos que causan a su paso.
Deprimido y agobiado, el compositor no sabe qué hacer. Alvin y compañía deciden esforzarse y convencer al empresario de discos. Lo hacen. Son un éxito. Pero nuevamente el corazón del compositor, pese a que se niega a afianzar una familia, le dice que debe cuidarlos. No desea explotarlos. Al menos no tanto.


El antagonista es el empresario musical ávido por hacer dinero. Pronto, por medio de trampas, convencerá a las ardillas para mudarse con él y ahora sí explotarlas descaradamente. El abuso infantil en su máxima expresión, con giras, presentaciones, agendas repletas, entrevistas y demás. El drama de Britney Spears, Paris Hilton, Lindsay Lohan y demás niñas mimadas de Hollywood. El empresario les dice a las ardillas lo que estas jóvenes figuras deben haber escuchado en más de una oportunidad: “La única regla es que no hay reglas”. Todas las tentaciones al alcance de adolescentes, dispuestos a probar sus límites. El empresario acumula dinero y mantiene despiertas a sus estrellas con café cargado, que parece estar mezclado con alguna sustancia de dudosa procedencia. El trío continúa sus presentaciones y ni siquiera el doctor de turno puede hacer que se detengan. “Necesitan descansar”, dice. El empresario tiene una mejor solución. “Sólo muevan los labios, yo colocaré una pista con sus voces. Nadie se dará cuenta”. Fonomímica, pues.

Felizmente el compositor treintañero decide rescatarlos. Aunque seguramente seguirán trabajando para él, a cambio de algunos waffles y un pequeño espacio en el sofá de la sala. El final feliz (o condescendiente, como muchos dirían) no es impedimento para reflexionar. ¿Podría ser que Alvin, Simón y Theodoro sean una representación del drama de Britney, Paris y Lindsay? No lo sé. Quizás, sólo sean cosas mías


"Bad Day" de Daniel Powter en versión de Alvin y las Ardillas

FOTO 1: Animales de Laboratorio: Alvin y las Ardillas sirven de pretexto para hacer un divertido experimento que busca ver más allá de lo evidente.

FOTO 2: Energizante: Instante en que las ardillas son despertadas de golpe para continuar con sus labores.

FOTO 3: Papá por Siempre: El divertido Jason Lee es el padre adoptivo de las ardillitas. Mitad amor, mitad interés.

FOTO 4: ¿Ardillitas reales?: Trío de cantantes y juergueras. La historia de Alvin, Simón y Theodoro podría basarse en la de Lindsay Lohan, Britney Spears y Paris Hilton, tres apetecibles joyitas descontroladas por la fama.
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INDIANA JONES VS. EL PRESIDENTE DEL PERÚ


Me resulta divertida toda la controversia alrededor del viejo Indiana Jones. La desinformación es evidente, pero quizás pudo haber servido para poner al Perú en el mapa del mundo. La última aventura del arqueólogo ha recaudado millones a nivel mundial lo que quiere decir que billones de habitantes del mundo la han visto y han escuchado la palabra Perú. Justamente a esos billones de habitantes debimos dirigirnos e informar de que el Perú está dispuesto a recibirlos para que descubran sus verdaderos misterios. Y me refiero a los “verdaderos” y no a los que la despistada distribuidora de la película en Perú nos tentaba a ver en La Calavera de Cristal (una campaña facilista y sin razonamiento lógico ¿podíamos esperar algo mejor?). Quizás era el momento oportuno de ponernos en el mapa turístico. Ser más que Machu Picchu y el pisco sour. Decirle al mundo que hay muchos, pero muchísimos misterios que descubrir. Qué el Perú es inmenso en su riqueza arqueológica. Incluso se pudo idear un tour real que involucre todos los lugares por donde pasó Indiana Jones y así narrar la verdad de todo el asunto. Sin extraterrestres (los benditos extraterrestres) ni hormigas carnívoras.


En cambio, se produce lo que a mi humilde entender es una sobreactuación. Una actitud reaccionaria que prácticamente busca linchar a Steven Spielberg. Pide la cabeza de George Lucas, enterrar vivo a Harrison Ford y censurar la película en todo el Perú (de verdad ¿creen que alguien les hubiera hecho caso?). Nadie duda de la flojera de los realizadores a la hora de investigar. O quizás sea que la verdad complicaba el enrevesado guión de la película y por eso decidieron acercar Nazca a Cusco. De repente el nombre de Pancho Villa es más conocido por allá. Y siempre cabe la posibilidad de que algún amigo quechua hablante le enseñara al revolucionario mexicano un par de frases en quechua. A mí me enseñaron que puputi significa ombligo. Puede ser ¿no?

El cine es ficción. Juega con la realidad. La trastoca. Las verdades en pantalla son creaciones que confluyen en una puesta en escena. Y ésta intenta hacernos creer que lo que estamos viendo en la pantalla es absolutamente real. El problema se suscita cuando no creemos esta verdad. Ahí cuando la cosa se vuelve inverosímil, pues hay problemas. Problemas fílmicos, ojo. La película fracasa con los peruanos, pues nos damos cuenta de la mentira. Descubrimos los secretos detrás de Indiana Jones. Ya no le creemos. Pero repito ese es un tema netamente fílmico qué puede afectar el cariño o gusto que uno siente hacia esta película.


Seguramente las primeras aventuras de Indiana también tuvieron inexactitudes, pero nos la creíamos. Nuestra ignorancia no nos permitía ver más allá de lo evidente. No sabíamos mucho de los lugares en donde se desarrollaban estas cintas (ojo que la primera escena de “Cazadores del Arca Perdida” se desarrolla en la selva peruana) y probablemente fuimos embaucados. Y nosotros nos prestamos a eso. El cine es así.

Ahora, después de todo el chongo armado y luego de descubrir un invaluable tesoro en internet me pregunto: ¿qué hubiera sucedido si Spielberg y Lucas hubieran decidido filmar el guión de Frank Darabont? Muchos sabemos que esta cuarta aventura de Indiana Jones fue postergada en innumerables ocasiones. La culpa siempre fue del guión. No estaba a la altura, decían. Pues uno de los tantos guionistas encargados de escribir esta cuarta parte fue Frank Darabont, excelente realizador que ha dirigido cintas tan apreciadas como “Sueños de Fuga”, “Milagros Inesperados” y la sorprendente “The Mist” (de la cual prometo escribir en los próximos días). Pues bien, Darabont escribió un guión al que tituló “Indiana Jones y la Ciudad de los Dioses”. El guión fue uno de los tantos que Lucas rechazó. Sin embargo, recientemente este trabajo se filtró en Internet y son muchos los que hemos tenido acceso a él. Confieso que aún no he tenido tiempo de leerlo, aunque no he podido vencer la tentación de leer un resumen del mismo (http://www.canaltcm.com/estrenos/post/2008/06/12/indiana-jones-que-pudo-haber-sido-guiain-frank).


En el guión de Darabont también se incluye al Perú como locación principal de la aventura. La acción no sólo sucede en Cusco, sino que da mayor importancia a las líneas de Nazca. De hecho, mientras pasan sobre ellas, Indiana tiene una pelea de avión a avión (salta de uno a otro) con uno de los villanos principales de la película.

Y justamente en los villanos de este guión está lo divertido de todo esto. El malo principal es un tal Yuri, un ruso ex amigo del buen Indy, quien lo ha traicionado y ahora busca adelantarse en su búsqueda de los misterios del Perú. Algo así como el Mac que interpreta Ray Winstone en La Calavera de Cristal. Sin embargo, hay un segundo y poderoso villano: el presidente del Perú. Sí, léanlo bien, en el guión de Frank Darabont uno de los villanos más malos es ¡EL PRESIDENTE DEL PERÚ!

Se imaginan el lío que se hubiera armado. El mandatario peruano convertido en la pesadilla de Indy. No tengo dudas de que eso para muchos habría sido una ofensa nacional. De repente la película jamás se habría estrenado en Perú. Quizás le hubiéramos declarado la guerra a Estados Unidos. Probablemente la negociación del TLC habría sufrido un traspié. ¿Quién sabe? Lo que sí es definitivo es que la controversia hubiera sido aún más divertida.

Dicen que el guión de Frank Darabont es mucho mejor que el que finalmente fue elegido para el regreso de Indiana. Afirman que mantiene de mejor manera la esencia del héroe, su espíritu aventurero. Lamentablemente nunca sabremos con exactitud que pudo salir de ese trabajo. Sin embargo, lo que más lamento es no haber visto a un presidente peruano enfrentado al mismísimo Indiana Jones. Sólo cierren los ojos e imagínenlo un momento. ¿No habría sido divertido?

Foto 1: Dr. Jones: Viejo y maleteado, el buen Indiana continúa dando que hablar. Incluso algunas de nuestras autoridades se han pronunciado.

Foto 2: De la Selva su Pelea: Intrépidos Indy y Mutt Williams, luchan en medio de la espesa selva contra los rusos. Un cóctel, a veces recargado que, sin embargo, entretiene y rinde homenaje al mejor cine de aventuras.

Foto 3: Los Misterios del Perú: Padre e hijo investigan en el Perú profundo. Ficción que a muchos molesta, pero que pudo haber sido aprovechada de mejor forma.

Foto 4: ¡El Avión!: Momento cumbre de "Indiana Jones y El Reino de la Calavera de Cristal", las líneas de Nazca en pantalla grande. Pronto, a ritmo de rancheras, nos daremos cuenta de lo cerca que están de Cusco. Una anécdota que debería causar gracia. Sólo eso.

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PELÍCULAS QUE NO LLEGARON… NI LLEGARÁN (PARTE 3)

LARS AND THE REAL GIRLS



Una premisa delirante puede dar como resultado una inesperada comedia dramática, encantadora y muy humana. Lo extraño es que siendo tan humana, involucra a un ser inanimado dentro de un romance bastante peculiar, por decir lo menos. El brillante Ryan Gosling, uno de los actores jóvenes más talentosos de su generación, es Lars, un introvertido muchacho que vive casi aislado en un pequeño espacio cedido por su hermano. Lars es un tipo solitario, pese a que su cuñada y amigos del trabajo siempre tratan de socializar con él. Un buen día, Lars llega a casa de su hermano con una sorpresa. Tiene novia. Su nombre es Bianca y se quedará a vivir con él por un buen tiempo. El problema es que Bianca es una muñeca sexual que le acaba de llegar por correo. Psicóloga de por medio, la familia le sigue la corriente a Lars y adoptan a Bianca como parte de la familia.

Lo sorpresivo del asunto es que poco a poco todos comienzan a tomarle cariño a esta muñeca. Pronto este sentimiento se expande y todo el pueblo se entera y acepta la presencia de Bianca. Es más, la invitan a participar de diversas actividades. Bianca deja de ser una simple muñeca y se convierte en un personaje vital en esta historia. Mérito del director Craig Gillespie, que logra hacernos sentir la importancia de su presencia en cada escena. La relación entre Lars y Bianca es real y es tratada como tal.

Poco a poco, entendemos a Lars. Gracias principalmente a Gosling. Al igual que Dan Dunne, el personaje de Half Nelson que le brindó su primera nominación al Oscar, su Lars Lindstrom es impecable y entrañable. Gosling es un gran actor. Tiene la virtud de hacer de su sola presencia un espectáculo. El director lo sabe y saca provecho de su histrionismo. Si con las personas reales muestra su incapacidad de comunicarse, con Bianca es un real vendaval de emociones, desde la ternura hasta la ira más absoluta. La muñeca saca lo mejor y lo peor de Lars, tal y como sucedería en cualquier relación. Sus conversaciones (o monólogos) son impagables.

Secundado por un elenco único, en el que destaca Emily Mortimer, Paul Schneider, Nelly Garner y sobre todo la gran Patricia Clarkson, Lars and the Real Girls es un nuevo logro en la carrera de Gosling y promisorio debut para el director Gillespie. Un romance como pocos que no debería perderse.

INTO THE WILD



Otro gran actor: Sean Penn. Para nadie es un misterio su enorme capacidad. Penn es uno de los mejores. No cabe duda. Into the Wild es su cuarta película como realizador. Como en las anteriores no actúa, sólo dirige. Decisión que parece resultarle sumamente cómoda (también ha dirigido videos para Peter Gabriel y Bruce Springsteen). Los resultados siempre han sido favorable y su filmografía como director es muy atractiva. Into the Wild es su último esfuerzo y una de sus películas más aplaudidas. Narra la historia Christopher McCandless, quien luego de graduarse de la universidad decide donar sus ahorros y embarcarse en un largo viaje hacia Alaska. Su vida, prácticamente alejada de la civilización y el dinero, se convierte en un aprendizaje y una manera de sanar algunas heridas familiares bastante profundas.

Emile Hirsch, a quien pronto veremos convertido en el audaz Meteoro entrega una interpretación enorme. Convertido en el joven Chris, tenemos a un actor de un talento superior. Su aventura es seguida por Penn privilegiando los grandes paisajes, los que sirven de marco para esta aventura emocional. La película por momentos tiene un carácter casi documental, no por los movimientos de cámara, si no por su deleite con la naturaleza, a la cual Penn convierte en protagonista. Chris y su entorno son seguidos por la firme cámara de Penn, quien aprovecha lo hermoso del paisaje para crear momentos de gran belleza visual. Pero no sólo eso.

Las andanzas de Chris (o Alexander Supertramp, como se rebautiza) y su interacción con sus nuevos amigos (destacan la presencia de Catherine Keener, Hal Holbrook y la bella Kristen Stewart) va en paralelo con los sentimientos y con el descalabro al que se enfrenta la familia McCandless, agobiada por la culpa y por su excesivo materialismo, el cual Chris rechaza. Los extraordinarios Marcia Gay Harden y William Hurt interpretan a estos padres. Penn no los olvida. Los muestra expectantes y desdichados ante la inesperada partida de su hijo. Tampoco los condena. Sólo muestra su intento por entender. Su pesar. Su desgracia (la escena de Hurt llorando en medio de la calle con zapatos y sin medias es impactante).

En eso juega un papel determinante el juego con los tiempos, el cual nos permite ver el deterioro físico y emocional del personaje dentro del llamado “bus mágico”. Paralelamente va dejando atrás a su familia y a los amistosos personajes con los que se encuentra, enceguecido por sus deseos de llegar a Alaska. Si algo tienen en común es que todos le ofrecen estadía, cobijo, incluso la oportunidad de tener una familia o de entablar relaciones sentimentales. Chris las rechaza. Luego entenderá que la mayor felicidad es la que se comparte.

El director no santifica el personaje (algo que hubiera sido muy sencillo). Lo muestra con sus errores, sus odios y frustraciones. Por momento lo entendemos y disfrutamos de su recargada y sorprendente madurez, en otros más bien vemos su juvenil candidez, paporreteando textos de libros como si fueran pastillas para el alma. Su encuentro con la bella Stewart y el veterano Holbrook es ejemplar en ese sentido. Es fácil cuestionar a un joven como Chris. No porqué sus ambiciones sean malas ni porque su viaje sea un desperdicio. No lo es. Simplemente porque vive cargado de sentimientos y resentimientos muy humanos. Penn sabe mostrarlo.

Mención aparte merece la estupenda música de Eddie Vedder (es increíble que no haya sido candidato al Oscar). Sus enormes melodías y canciones se convierten en parte esencial de esta gran película.

Aquí trailer y video clip


Lars and The Real Girls


Hard Sun – Eddie Vedder (soundtrack de Into the Wild)
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BOSÉ ABUSO


Y abusó de su talento. Simplemente no tengo mucho que decir del impecable espectáculo brindado por Miguel Bosé hace algunas semanas. Simplemente brillante tanto musicalmente como en puesta en escena. Luces, sonido y coreografías intensas y provocativas hicieron delirar a miles de personas. Eso sí me sorprende la manera en que las mujeres enloquecen con cada uno de los pasos del español. Cantó de todo. Y eso se agradece. Desde clásicos antiguos como Te Amaré, Amiga, Linda, Amante Bandido y la sorpresiva Don Diablo (la leyenda dice que es una canción a la cual el cantante no le tiene mucho aprecio), hasta temas brillantes como Si Tú No Vuelves, Sevilla, Como un Lobo, Nada Particular, Los Chicos No Lloran, Sol Forastero, entre muchos otros. Era primera vez que veía a Bosé en vivo y realmente he de decir que su show es simplemente espectacular.


Te Amaré – Miguel Bosé
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¿CARA O SELLO?



A todos nos impactó la muerte de Heath Ledger, no sólo por su juventud sino porque estaba en la cúspide de su carrera gracias a su nominación al Oscar por "Brokeback Mountain" y a su esperada interpretación de The Joker o El Guasón en la próxima en estrenarse "The Dark Knight" (El Caballero Negro). De hecho Ledger era la gran sensación de la película, opacando al mismísimo Batman. Mucho se ha dicho de esta secuela luego de la muerte del actor. Incluso se habló de cambiar el final, cosa que ha sido felizmente desmentida. Lo que sí sucedió es que el marketing viral derivó por un tiempo a otro personaje: Harvey Dent, quien se convertirá en el villano Dos Caras.

Interpretado por Aaron Eckarth, otro gran actor, son muchos quienes tenemos la curiosidad de verlo en su lado menos amable. ¡Queremos verlo convertido en Dos Caras! Pues bien, todo indica que finalmente aquí está. Aún no hay una confirmación del estudio y cabe la posibilidad de qué sea producto de la imaginación y photoshop de un fan. Sin embargo, tiene mucha relación con el muñeco de Dos Caras mostrado hace unos meses. Personalmente pienso que si no es, pues se acerca mucho a la versión de Dos Caras imaginada por el equipo del director Christopher NolaN. Calza a la perfección. ¡Quiero ver esta película! "Batman Begin" me impresionó y espero lo mejor de esta secuela. "The Dark Knight" se estrena el 18 de julio.

Aaron Eckarth es Harvey Dent alias Dos Caras.
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PELÍCULAS QUE NO LLEGARON… NI LLEGARÁN (PARTE 2)

Sleuth


Desde el anuncio de su realización, se me hacía casi imposible realizar una segunda versión de Sleuth, la impresionante obra de Anthony Shaffer, adaptando por el ganador del premio Nobel, Harold Pinter. Debo mencionar que la primera versión, dirigida en 1972 por Joseph L. Mankiewicz y protagonizada por Laurence Olivier y Michael Caine, está entre mis 20 películas favoritas. La versión del 2007 es dirigida por un conocedor del teatro: Kenneth Brannagh, quien además de director es actor, lo que podría darle ventaja en lo que se refiere a la dirección de actores. Brannagh convoca a Jude Law para hacer el papel que interpretó Caine en 1972 y al mismísimo Caine para interpretar el personaje de Olivier.

El resultado vuelve a ser apasionante. Brannagh nos muestra esta historia de traiciones, convirtiéndonos en fisgones a través de estilizados encuadres y un especial énfasis en las cámaras de seguridad que repletan la casa del personaje de Caine.

Ambos actores están impecables en sus respectivos roles y eso permite que el macabro juego que plantea la película sea disfrutado a cabalidad. El único problema es que al conocer la trama y sus giros, pues la sorpresa se anula. Sigo prefiriendo la primera versión, sin embargo la película de Brannagh resulta bastante intensa y divertida, creando un gran espectáculo con el enfrentamiento histriónico entre Caine y Law. Grandes actores que se lucen en pantalla.

Funny Games U.S.


Funny Games U.S. también es una nueva versión. No de una obra de teatro. Menos de una serie de TV, si no de un guión original firmado por el cineasta alemán Michael Haneke. Se trata de uno de los nombres más admirados de la cinematografía actual con películas como La Profesora de Piano y Escondido, ambas estrenadas en nuestro circuito comercial. Antes de ambas, en 1997, el realizador escribió y dirigió Funny Games, una película que levantó polvareda por su extremo sadismo. Diez años después el mismo Haneke se embarca en la misión o experimento de hacer un remake de su propia película en Estados Unidos. Plano por plano.

Hace varios años, Gus Van Sant realizó una experiencia parecida, catalogada por muchos, no con poca razón, como innecesaria. Tocar un clásico como Psicosis y copiar casi plano por plano lo que la genial mente de Alfred Hitchcock había pensado fue por demás temerario, incluso para un brillante director como Van Sant.

Pese a que en el papel Haneke ha hecho lo mismo, en realidad lo que ha copiado es su propia obra. De allí la diferencia. Cada plano de Funny Games U.S. es calco de la película austriaca y quizás por eso mantiene su devastadora fuerza. Esta nueva Funny Games estremece, incomoda, cuestiona. No es un thriller convencional. Para nada. El juego que el realizador propone nos inmiscuye, nos pone en aprietos. Los jóvenes asesinos se dirigen a nosotros nos piden nuestra complicidad.

La premisa de Funny Games es sencilla, dos muchachos se introducen a la casa de una familia, mientras ésta se encuentra de vacaciones. Detrás de su inquietante amabilidad está una retorcida mente que les propone una serie de tortuosos juegos. Las actuaciones son brillantes: Naomi Watts sufre como nunca y se humilla ante los criminales con un temple como sólo una gran actriz se da el lujo de hacer. Mientras que Tim Roth deja de lado sus papeles de villano (recurrentes en el cine norteamericano) para ser sometido y derrotado, llorando y suplicando piedad. Sólo actores brillantes como ellos pueden lograr el punto perfecto para personajes tan complicados. Sin embargo, quien realmente brilla es Michael Pitt como uno de los jóvenes desadaptados. Pitt es un gran actor, pero en esta película realmente nos atemoriza. Cada mirada suya a la cámara trae detrás una complicidad que nos hace partícipe de lo que estamos viendo. Pícaramente Pitt nos pide permiso, nos cuestiona. Y nosotros seguimos viendo. Permitimos la tragedia. Al igual que el joven actor, nosotros los espectadores tenemos el control remoto (la escena es tan sorpresiva como extraordinaria), pero a diferencia de Pitt no paramos o retrocedemos. Por el contrario seguimos viendo las torturas a la que es sometida esta familia.

Funny Games U.S. podrá ser igual a la primera versión en muchos sentidos, pero no por ellos deja de tener mérito. Al contrario, es una gran película. Una de las más estremecedoras que he visto en los últimos años. Altamente recomendable.

Aquí los trailers:

Sleuth

Funny Games US
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LO MEJOR PARA EL FINAL


Confieso que nunca fui muy fanático de White Lion, la banda norteamericana que acaba de pasar por Lima. Aún así sentía curiosidad por verlos. Me gustaban un puñado de sus canciones. No todas, de hecho algunas de ellas, en mi modesta opinión, abusaban de unos teclados que hoy suenan bastante añejos. Eso fue algo que siempre me disgustó, aunque repito temas como "When the Children Cry" y, sobre todo, "Radar of Love" me parecían brillantes por su dulzura y potencia, respectivamente.

Verlos en vivo, con un sonido renovado, fue toda una sorpresa. White Lion se divirtió y divirtió a las casi mil personas que acudieron a la discoteca Vocé y que entraron en catarsis al escuchar temas como "Wait", "Little Fighter", "Broken Hearts", entre otros. La banda no sólo demostró toda su experiencia y potencia sobre el escenario, sino que además hizo gala de su inteligencia, con una innegable astucia para manejar al público y llevarlo por un viaje cada vez más intenso. Luego de la despedida de rigor, el grupo liderado por Mike Tramp dejó para el final sus más populares éxitos.

Disminuyó las revoluciones con dos temas románticos que abrieron camino para que el público coreara "When the Children Cry" . Su más grande éxito podía fácilmente haber puesto fin a su presentación. Pero faltaba "Radar of Love" para darle contundencia. Cómo se dice un final bien, pero bien arriba. Uno que no daba espacio para nada más. La culminación adecuada para un buen concierto que siempre nos llevó cuesta arriba. Como debe ser.

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SOUNDTRACK: MODERN NATURE de SONDRE LERCHE



Aquí un bonus track. Es interesante escuchar Modern Nature, tema con el que culmina la película Dan in Real Life. Un final divertido, positivo y que muchos señalarán de condescendiente. Bueno la vida a veces tiene finales felices. Y si no, pues a mirar las cosas desde un lado positivo. El intérprete de esta excelente canción es Sondre Lerche, a cargo también de la composición de la música de la película. Es un video aficionado grabado en un concierto del cantante, pero vale la pena escucharlo y descubrir la increíble música de este joven talento.
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PELÍCULAS QUE NUNCA LLEGARON... NI LLEGARÁN (PARTE 1)


En estas últimas semanas, en que perseguir atrasadísimos cheques con sabor a Coca suele trae Cola, hay pocas cosas que levantan el ánimo. Digamos que en mi casa la Fábrica de la Felicidad no ha funciona. Le falta gasolina, batería o dinero para hacerla funcionar. Dinero que, ¡oh sorpresa!, los creadores de esta fábrica no sueltan con facilidad. Me pregunto qué les diría su adorado Santa Claus. Un tema que da para largo y que el tiempo (y el pago) dirá si vale la pena tratar con puntos y comas.
En todo caso, una buena forma de aminorar estos disgustos es una película. Y como el retraso de pago ha sido grande, pues las películas vistas se han acumulado. Lo curioso es que la mayoría no han sido estrenadas y probablemente, de no mediar sorpresas, nunca lo hagan. Vale la pena darles un vistazo. Aquí algunas.

Dan in Real Life


De Peter Hedges había visto “Momentos de Perdón” (Pieces of April), una comedia dramática de bajo presupuesto protagonizada por Katie Holmes y los extraordinarios Oliver Platt y Patricia Clarkson. Además, Hedges había sido guionista de “Una Gran Chico” (About a Boy), una de mis comedias preferidas. Motivos suficientes para prestarle atención a Dan in Real Life.
Se trata de una comedia en la que el sorprendente Steve Carrell (notable al igual que en “Pequeña Miss Sunshine” y “The Office”) y la siempre impresionante Juliette Binoche se conocen y enamoran a primera vista. El problema es que ella está ennoviada con Dane Cook, hermano de Carrell en la cinta. Todo durante un fin de semana convertido en gran reunión familiar.

Sin perder de vista la comedia, Hedges nos interna en esta familia plagada de tradiciones. Su simpatía hacia ella es evidente. No juzga sus actitudes ni las ridiculiza. Todo lo contrario. Hedges parece disfrutar con sus actos, bastante excéntricos en algunos casos. Tanto como lo hace la extraña Juliette Binoche, quien, como no podía ser de otro modo, encandila a la familia.
Por su parte, Steve Carrell es Dan, una suerte de lunar que se mantiene ajeno a las tradiciones. No por decisión propia o rebeldía. Es el viudo, padre de tres hijas, incapaz de rehacer su vida sentimental y de conectarse con sus pequeñas.

Dan in Real Life es de esas películas que vemos con una sonrisa en el rostro. Divertida y emocionante, es extraño que no se haya estrenado. Buen motivo para descubrirla. Mención especial a la banda sonora, compuesta por Sondre Lerche, extraordinario cantautor noruego al que conviene seguirle la pista. Su trabajo en Dan in Real Life es simplemente notable.

Across The Universe


Hablando de bandas sonoras, ninguna como la de esta película. Hace unos meses vi el afiche en los cines del Jockey. Me emocionó verlo. Esperé y esperé. Y nada. Finalmente acabo de disfrutarla en DVD. ¿Porque tanta ansiedad? Pues la respuesta es sencilla: The Beatles. Across the Universe utiliza las canciones de los cuatro de Liverpool para crear una historia de amor ambientada en los tumultuosos años sesenta. Es decir, es un musical con decenas de canciones de la legendaria banda.

La directora Julie Taymor, quien ya dio rienda suelta a su originalidad en Titus y Frida, se coloca tras las cámaras y logra su mejor película hasta la fecha. Las canciones se hilvanan unas con otras para narrar la historia de amor de Jude y Lucy. Los números musicales se plantean desde el inicio en una puesta en escena que mayores riesgos a medida que pasan los minutos.
Girl, Helter Skelter y All My Loving son perfectas para platear la historia. Siguen más y más canciones (With a Little Help For My Friend y I Wanna Hold Your Hand son solo dos de ellas). Hasta llegar al primer gran momento: I’ve Just Seen A Face, la cual marca un giro en la historia y propuesta. Los personajes se mudan a Nueva York y se involucran con nueva gente e ideologías.

Momento perfecto para que la directora suelte toda su artillería visual y nos deslumbre con su colorida propuesta.
El amor se contamina, manteniendo a los Beatles como telón de fondo. La ternura de Dear Prudence, la agresividad de Revolution, el lamento de While My Guitar y la esperanza de Across the Universe llegan en el mejor momento. Por su parte, Hey Jude mantiene intacto su poder, el cual es enfatizado por memorable momento fílmico. Es el climax perfecto que da paso a Don’t Let Me Down y All You Need Is Love.

Mención aparte al trabajo del reparto. No sólo vocalmente si no en cuanto a su poder histriónico. Destaca nítidamente el trío protagónico: Jim Sturges, Evan RachelWood y Joe Anderson. En suma, Across the Universe es una película que disfrutarán no sólo los fanáticos de los Beatles. Con una buena promoción (destacando la música obviamente) pudo ser un gran éxito de taquilla. No se la pierda. Pronto tendrá nuevas favoritas para el karaoke.

Pronto más comentarios de cintas como Lars and the Real Girls, Sleuth, 3:10 To Yuma, Control, Once, etc.

Aquí los trailers.



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EL JUEGO DE LAS SILLAS



Es cierto, hace buen tiempo que no voy al cine. Lo que no quiere decir que no lo vea en casa (ya hablaré de eso). De una u otra forma, el tiempo es corto y suele perjudicar el ritual de meterse a una sala oscura y disfrutar de alguna película. Quizás tanto como el tratar de mantener vigente este blog.

Lo que sí he hecho es ir a conciertos. La movida aún es incipiente, sin embargo ya hay posibilidades de ver algunos buenos espectáculos. En lo que va del año, pues Collective Soul y Bryan Adams han hecho que salga de casa y que salte un buen rato.

Soy fanático de la música. De toda en realidad. Sentí envidia de mis amigos chilenos que tuvieron la suerte de ver a Ennio Morricone. Fue una envidia sana, pues aún mantienen un nivel superior en cuanto a conciertos. Por acá fue bueno ver al virtuoso violinista Phillipe Quint, gracias a TQ Producciones y a Wong (comprado recientemente por chilenos… Yo sigo comprando allí… Y también sigo disfrutando de empanadas chilenas y vino chileno… sí, el de cajita)

Me gusta la música en general. No soy purista. Investigo sobre música y algunos gratos descubrimientos se han convertido en mis favoritos (¡ya se viene el nuevo disco de Aimee Mann!). Como en el cine, pienso que la música es una cuestión sensitiva. Que me guste una canción de Kudai no me hace más o menos inteligente, como podrían pensarlo algunos. Como Belinda, su música está dirigida a una determinada edad. ¿Tiene eso algo de malo? Por acá mi Mikella de 10 años, estaba bastante emocionada. En realidad, hay que ser bien estúpido para renegar por la llegada de estos artistas juveniles. En un país en donde los espectáculos o diversión para adolescentes es casi nulo, pues hay que ser bien obtuso para criticar un número cuyo target son chicos entre 7 y 16 años. ¡Qué vengan todos que hay público para cada tipo de música!

De hecho conciertos como los de Collective Soul y Bryan Adams tuvieron buen quórum. Sin embargo, algunas cosas me sorprendieron de este último. El canadiense viene recorriendo escenario por más de dos décadas. Es un gran compositor e intérprete. Poco se dijo de su llegada. Es decir, llamó la atención y vendió entradas gracias a los paneles y publicidad mediática. Sin embargo, algo que lamento (y que en otros países del mundo es muy importante) es la tremenda información adicional que se brinda alrededor de la llegada de un artista.



No es posible que los medios peruanos estén más interesados en la opinión que tenía Bryan Adams sobre el matrimonio de Juan Diego Flores que en su trayectoria. Simplemente vergonzoso. Digo yo, ¿eso le interesa al aficionado a los conciertos? ¿Al fanático que ha esperado durante años a su artista favorito?

Nadie se dio el trabajo de investigar sobre los múltiples honores que Adams posee. Tomen nota de algunas: Un Grammy (por “I Do It For You”), tres nominaciones al Oscar, cinco nominaciones al Globo de Oro, la última el 2007 (sí, el año pasado) por su composición “Never Gonna Break My Faith”, interpretado a dúo por Aretha Franklin y Mary J. Blige para la película “Bobby”. Adicionalmente el cantante ha trabajado para directores como el genial Francis Ford Coppola (compuso “Star” para su film “Jack”) y ha cantando no sólo con Rod Stewart y Sting (“All For Love”, compuesta por Adams para la cinta “Los Tres Mosqueteros”) sino también con Barbra Streisend, quien lo convocó para componer el tema central de su película “El Espejo Tiene Dos Caras”, junto a Marvin Hamlisch y Robert John Lange.



Eso sólo es la punta del iceberg de una carrera larga y plagada de reconocimientos. Estamos hablando de un tipo que, puede gustar o no, pero que sin duda tiene mucho que decir y sobre todo que contar. Pero claro, si nadie informa o si a nadie de prensa le interesa. Si sólo nos importa lo básico, pues entonces, y lamentablemente, nos convertimos en un país básico. Así de simple. El país del "así nomás..."

Quizás ese tipo de información hubiera sido una forma para sumar más público. Quizás yo sea un iluso y eso a la gente no le interese. Pero tiene algo de malo informar e incluso educar a quienes, maliciosamente, afirmaron que se trataba de un cantante del pasado. Había bastante gente en el concierto, sin embargo yo creo que pudo haber más. La información jala gente. Si pasa en otros países ¿porqué acá debería ser distinto?

Un segundo punto que me da qué pensar es el asunto de las sillas. ¿A quién se le ocurre poner sillas en un concierto de rock? ¿Es esto práctico? No sólo quita espacio, si no que provoca un caos tremendo que complica la visión del espectáculo. Cuento un poco mi experiencia:

El show comenzó de una manera bastante original. Bryan Adams se ubica en un pequeño escenario, ubicado al medio del local, exactamente en la zona VIP. La primera reacción, natural dicho sea de paso, del público es pararse en las sillas. El escenario, vuelvo a repetir, pequeño está (o debería estar) acondicionado para que toda la Explanada del Monumental vea su sorpresiva aparición, pero como todos se pararon en sus sillas, pues sólo algunos privilegiados disfrutaron del momento (digamos unos mil alrededor). ¿Los demás? Pues a mirar las pantallas. Tres canciones perdidas o vistas por televisión, en lo que pudo ser uno de los momentos más emotivos de la noche. Es más, las cámaras de los medios de TV, ubicadas en la zona supuestamente más privilegiada (o al menos así debió ser), terminaron filmando pantallazos. ¿Todo por culpa de quién? Pues de las malditas sillas.



¿Es qué a nadie se le ocurrió que la gente podría pararse? ¿Acaso eso no sucede siempre? ¿Acaso no se tenía previsto la salida de Bryan Adams en medio de la Explanada como para ubicar las cámaras de prensa en esa zona? Visión del público y cobertura televisiva desperdiciadas.

Ya con el canadiense sobre el escenario principal, el público continuó parado en las sillas. Se me ocurrió ver que pasaba atrás. Y me di cuenta de algo gravísimo. Una falta de tino y respeto que puede repercutir en posteriores conciertos. ¡La gente detrás de la zona VIP no tenía sillas! Es decir, no tenían visión del escenario. Al medio de ellos la consola de luces y sonido. Y una pantalla para reemplazar el escenario. ¡Qué se contenten con un televisor gigante! Disculpen, pero las entradas así sean las más cómodas no son baratas. Si pagas y terminas viendo televisión, pues es una burla. Claro, los empresarios dirán: “Para que compran una entrada barata”. Yo les diría: “Para que venden ubicaciones donde no se va a ver nada”. La decepción puede causar que algunos desistan de acudir a otros conciertos de este tipo. La cosa es sumar y no restar. Eso no le conviene a nadie. Y todo por escasa información, distribución y miles de sillas que no sólo estorban si no que provocan más de un dolor en la columna. Lo de Bryan Adams fue un gran show. Nadie lo niega, pero yo ya estoy viejo para pararme dos horas en una silla y tratar de saltar sobre ella. ¡A ver… qué los empresarios hagan el intento!




Foto 1: Carisma: Bryan Adams demostró su talento en un gran concierto de casi dos horas.

Foto 2: ¿Dónde está Juan Diego?: En conferencia de prensa hubo un tema recurrente: el matrimonio del tenor peruano. Un exceso.

Foto 3: Dúo Dinámico: Adams junto a la legendaria Barbra Streisand, con quien compuso e interpretó el tema central de "El Espejo Tiene Dos Caras" titulado "I Finally Found Someone", nominado al Oscar y Globo de Oro.

Video 1: ¡No veo!: Inicio del show en Lima. Bryan Adams canta "There Will Be Another Night" en medio de la Explanada del Monumental. Sólo unos pocos lo disfrutaron. Video filmado por un aficionado.

Video 2: Energía: Algunas canciones como "Summer of 69" vieron mermadas sus revoluciones por momentos extremadamente acústicos. Otras como "The Only Things That Look Good On Me Is You" destacaron por su tremenda energía.
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A POCAS HORAS DE LOS OSCAR



Faltan pocas horas y por fin me animo y me doy tiempo para mis nuevas predicciones con respecto al Oscar. Los últimos años no ha habido sorpresas, ¿será este la excepción? Pues según como viene la tendencia, parece que no es muy difícil de adivinar cuáles serán las ganadoras… Pegándola de brujo, aquí mis vaticinios…

Mejor Película
Ganadora: No Country For Old Men
Debería Ganar: No Country For Old Men
Agradable Sorpresa: Juno
Notas Adicionales: Sin quitarle mérito a la película de los hermanos Coen, si había una película que me ha entusiasmado sobre manera esta es Sweeney Todd. Sería mi favorita, pero lamentablemente no está nominada. Su extrema violencia ha espantado a los académicos. No Country For Old Men me entusiasma. Está filmada de manera impecablemente y merece el premio. Sin embargo, la que se lleva mis simpatías es Juno. Una comedia sin pretensiones que destila humor y originalidad.



Mejor Director
Ganador: Joel & Ethan Coen (No Country For Old Men)
Debería Ganar: Joel & Ethan Coen
Agradable Sorpresa: Julian Schnabel (The Diving Bell and the Butterfly)
Notas Adicionales: Nuevamente. ¿Dónde está Tim Burton por Sweeney Todd? Lo mejor de su estilo en un musical macabro y sangriento, dirigida de manera brillante. Los Coen también logran una película inquietante, de planos largos, lánguidos y abiertos y creando grandes atmósfera. Qué duda cabe, No Country For Old Men es una gran película. Lo de Julian Schnabel podría ser realmente sorpresivo. No he visto la película, pero la carrera de Schnabel , que consta de tres películas, es lo suficientemente notable como para prestarle atención. Ojo entre los nominados falta otro notable: David Cronenberg por Promesas del Este.



Mejor Actor
Ganador: Daniel Day Lewis (Petroleo Sangriento)
Debería Ganar: George Clooney (Michael Clayton)
Agradable Sorpresa: Viggo Mortensen (Promesas del Este)
Notas Adicionales: Cuando veía escenas de Petroleo Sangriento me parecía definitivo el Oscar para Daniel Day Lewis. Sin embargo luego de ver la película tengo sentimientos encontrados. Quizás sea que lo de Daniel Day Lewis se me hizo por momentos excesivo. Sí, es una gran actuación. Un personaje grandilocuente a la medida del Oscar. Quizás por eso prefiero la intensidad interior de George Clooney en Michael Clayton. La grata sorpresa sería Viggo Mortensen por Promesas del Este, la cual aún no veo, pero que como único representante del cine de David Cronenberg merece alzarse con la estatuilla dorada.



Mejor Actriz
Ganador: Julie Christie (Lejos de Ella)
Debería Ganar: Ellen Page (Juno)
Agradable Sorpresa: Laura Linney (The Savages)
Notas Adicionales: Una jovencita como Ellen Page sobre una veterana como Julie Christie, pues la protagonista de Lejos de Casa retrata a una mujer víctima de Alzheimer. Los personajes enfermos le fascinan a la Academia. Por eso mi preferida es Ellen Page, quien construye a su cortísima edad, un personaje absolutamente fascinante y original. Juno es una verdadera delicia y ver a Page desarrollándolo es una de las principales atracciones de esta representante del cine independiente. Muy de cerca, otra favorita es Marion Cotillard por hacer de Edith Piaff en La Vida en Rosa, pero la verdadera sorpresa sería la premiación de una actriz notable: Laura Linney por The Savages.



Mejor Actor de Reparto
Ganador: Javier Bardem (Sin Lugar Para los Débiles)
Debería Ganar: Javier Bardem (Sin Lugar Para los Débiles)
Agradable Sorpresa: Tom Wilkinson (Michael Clayton)
Notas Adicionales: El merecido año de Javier Bardem. Verlo como asesino en Sin Lugar Para los Débiles es aterrador. Su primer asesinato al policía lo muestra con los ojos desorbitados convertido en psicópata. Debería ganar, aunque muy de cerca en las apuestas lo sigue Casey Affleck por El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford. La sorpresa sería Tom Wilkinson, un actor inglés extraordinario quien se luce en Michael Clayton. Los secundarios siempre traen sorpresas y no nos extrañe que la Academia quiera pagar una deuda pendiente con Hal Holbrook por Into the Wild.



Mejor Actriz de Reparto
Ganador: Ruby Dee (American Gangster)
Debería Ganar: Cate Blanchet (I’m Not There)
Agradable Sorpresa: Amy Ryan (Gone Baby Gone)
Notas Adicionales: Hablando de homenajes y tributos, ninguno parece más cantado que el de Ruby Dee. Quizás lo merece, pero prefiero a Cate Blanchet y su particular retrato de Bob Dylan. En todo caso, quien podría sorprender es Amy Ryan, quien ha arrasado con los premios por su interpretación de una madre en busca de su hija desaparecida en Gone Baby Gone.



Mejor Película de Animación
Ganador: Ratatouille
Debería Ganar: Ratatouille
Agradable Sorpresa: Ratatouille
Notas Adicionales: Es cierto, Persepolis es la apuesta europea y muchos detractores del cine hollywoodense deben estar cruzando los dedos para que sea la ganadora. Nadie quita que la cinta de animación francesa sea interesante, sin embargo Ratatouille pudo competir y ganar como mejor película y nadie debería apenarse. Digámoslo ya, Ratatouille es una joyita del cine.



Mejor Guión Adaptado
Ganador: Joel & Ethan Coen (No Country For Old Men)
Debería Ganar: Paul Thomas Anderson (Petróleo Sangriento)
Agradable Sorpresa: Paul Thomas Anderson (Petróleo Sangriento)
Notas Adicionales: Petróleo Sangriento es una gran película. Su fotografía plagada de contrastes extremos, el maravilloso uso de la música de Jonny Greenwood, las actuaciones (no sólo Daniel Day Lewis, también Paul Dano), su dirección y su enorme guión. Paul Thomas Anderson entrega una película brillante y por eso merece el reconocimiento. Si como todo indica, este será el año de los Coen, P.T. Anderson merece el premio al guión adaptado.



Mejor Guión Adaptado
Ganador: Diablo Cody (Juno)
Debería Ganar: Diablo Cody (Juno)
Agradable Sorpresa: Brad Bird, Jan Pinkava, Jim Capobianco (Ratatouille)
Notas Adicionales: La historia de Diablo Cody es la del sueño americano. Una stripper convertida en guionista y nominada al Oscar. Representa el gran sueño y el Oscar lo sabe. En todo caso, merece el premio por un guión fresco y original. Tiene un gran mérito. La sorpresa, muy grata por demás, sería Ratatouille. No hay que decir más de ella.
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BOND: LA NUMERO 22



De los muchos héroes cinematográficos que ha dado la pantalla, ninguno tan eterno como James Bond, el agente 007. Con licencia para matar, el señor Bond ha tenido diversos rostros que han reinventan su leyenda cada cierto tiempo. El último de los actores responsables de devolverlo a la vida es Daniel Craig, quien sorpresivamente consiguió callarle la boca a más de uno con su interpretación de "Casino Royale".

Ahora Craig vuelve en su segunda aventura como el 007 en "Quantum of Solace" (algo así como "Parte de Consuelo"), la cual, según rumores, inicia su acción exactamente donde termina "Casino Royale". Se trata de la vigesimosegunda aventura del 007 en cines. Una adaptación de un breve relato aparecido en el libro "Sólo Para Tus Ojos", que adaptan Robert Wade, Paul Haggis y Neil Purvis.

"Quantum of Solace" es dirigida por Marc Forster, el mismo de "Monster's Ball" y "Descubriendo el Nunca Jamás", lo cual hace aún más interesante el regreso del agente. Aquí las primeras imágenes del detrás de cámaras de esta cinta.
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CUELLO DE BOTELLA EN EL CINE PERUANO



El año pasado tuvo una característica en particular: las terceras partes. Llegaron “Shrek 3”, “Spider Man 3”, "Ahora Son Trece", “Piratas del Caribe 3”, “Una Pareja Explosiva 3”, “El Ultimátum Bourne”. Por ahí también se colaban otras secuelas como “Los Cuatro Fantásticos 2”, “Duro de matar 4.0”, “Rocky Balboa”, “Harry Potter 5”, etc. Todas son películas que apuntaban a copar las salas. Y de hecho lo hicieron. Es verdad que algunas eran mejor que otras (“El Ultimátum Bourne” es simplemente soberbia), pero lo cierto es que su principal misión era aglutinar gente en las salas de cine. Pero ojo, llenar, copar, aglutinar espectadores en una sala no es lo mismo que monopolizar la cartelera. Y eso sucede en Perú.

Lo repetiré mil veces: No tengo nada contra del cine comercial. Puede venir de Estados Unidos, China, Finlandia, Francia, Tangamandapio o Chupeltongo. Quizás el problema sea que sólo viene de Estados Unidos. Aunque tampoco tengo nada contra el cine gringo. Es fácil pasearse por Internet y percatarse de la infinidad de títulos que se estrenan en los Estados Unidos. Pero claro, en Perú no hay espacio para lo independiente, lo raro o estrambótico. Si tiene éxito afuera, se estrena en Lima, si no, pues pasa de largo. Usaré de ejemplo “Valiente” de Neil Jordan. Si una película millonaria, protagonizada por una estrella como Jodie Foster es rechazada, entonces ¿podemos esperar que traten bien a una película peruana?

Saquémonos las vendas de los ojos, las grandes distribuidoras copan las salas y las manejan a su antojo. Son ellos los que deciden que sigue y que no. Si es nacional (y lo digo por experiencia propia), pues “tratan” de darte un espacio (como si se tratara de un favor). Pero eso sí no alteres su programación, la cual finalmente es dirigida desde el extranjero. Lo lógico de un trabajador asalariado de cualquier distribuidora es velar por los intereses de la empresa y por ello quedar bien con los jefes. De eso depende el aumento y los ascensos. Es lo normal.

Otro ejemplo. En mi modesta opinión, UIP hizo un pésimo trabajo como distribuidora de “Talk Show”. Si lo saco a colación es porqué, pese al mal desempeño, uno de los empleados involucrados con este trabajo a los pocos meses fue luego enviado a Argentina a un curso de especialización o algo así. Es decir, un premio a su buena gestión.

No lo critico. El empleado cumple el trabajo que le mandan sus jefes. La casa matriz (KAOS para el cine peruano) funciona en el extranjero y manda las pautas desde allá. ¿Le puede importar a esta casa matriz lo que suceda con una película peruana, cuya distribución sólo representa un porcentaje mínimo y ridículo dentro de su millonaria recaudación? ¿Le puede importar al funcionario peruano de esta distribuidora lo que un director o productor peruano quiera o exija? Repito, lo comprendo. Es su chamba y en un país ávido de trabajos bien remunerados, pues hay que ser bien tonto para sacrificar todo por película que no te va a hacer ni más ni menos rico. Mejor mantener felices a los jefes, más aún a los que están en el extranjero.

Por mi parte, luego de mi experiencia, me hago muchas preguntas: ¿porqué una distribuidora como UIP acepta distribuir películas peruanas si sabe que no puede darle el mejor de los tratos?, ¿Acaso no sería honesto decir que como transnacional el cine peruano no es una prioridad? Yo lo comprendería y agradecería la honestidad. Muchos cineastas amigos me decían que en el Perú uno tiene que hacer todo solo. No se puede confiar en un distribuidor extranjero. Ahora respaldo esta afirmación. Recientes películas peruanas como “Muero Por Muriel” o “Una Sombra Al Frente” fueron distribuidas por UIP. ¿Hubo un buen manejo de marketing? ¿Le dieron oportunidad dentro de la cartelera? Pues a mi no me parece. Seguro van a decir que no tenían a los actores o no tenían suficiente material. Lo del material es responsabilidad de la productora, pero ¿acaso cuando distribuyeron Shrek 3 vino Eddie Murphy a promocionar la película? Ni siquiera nos visitó Eugenio Derbez, que fue el encargado de darle la voz en español al burro. Claro, la película venía acompañada de un marketing descomunal, estudiado y elaborado desde afuera.

Qué bonito sería que una película peruana sea vista como un reto creativo de marketing y publicidad para el distribuidor. Es decir, demostrar que puedes convertir en éxito algo que en apariencia es difícil de vender. ¡Oh perdón!, me olvidaba… las órdenes vienen de afuera, aquí no hay espacio para la creatividad o intento que valga. Eso de que un buen vendedor vende helados en Alaska no es aplicable en este caso. Una lástima.

¿Entonces porqué seguir insistiendo con las transnacionales? Lo principal no es lo que ellos hagan, que nuevamente reitero, es parte de su obligación como empleados asalariados. Lo que realmente interesa es que tomando estas experiencias alguna entidad, desconozco si en eso pueda intervenir CONACINE, logre una buena plataforma de negociación para que el cine peruano no sólo se estrene si no que se mantenga un tiempo prudencial, sin que por ello perjudique el negocio de exhibición.

Dice la leyenda que, al tener la sartén por el mango, las grandes distribuidoras manejan la exhibición de películas repartiéndose una cuota de pantalla. La misma leyenda dice que si ingresa una película extraña, sea peruana o de independiente, se escuchan entre pasillos ciertas amenazas: “si mantienes esta película rara, pues no te doy Spider Man 4”, “si le das dos salas a esta película estrambótica no te doy La Era de Hielo 3”. ¿La ley de la oferta y la demanda?

El próximo seminario de distribución organizado por CONACINE quizás aclare muchas dudas o brinde nuevos alcances. Quizás. En la mesa estarán en su mayoría los representantes de las distribuidoras grandes y en menor cantidad los de las pequeñas (los que incluyen al producto peruano). Veremos si más que un seminario, éste se convierte en una manera de aclarar puntos. La distribución de las películas peruanas es el cuello de botella al que se le debería prestar más atención. No es sólo hacer cine, si no de que sea visto por la mayor cantidad de personas. Quizás la solución y la democratización del cine se de con las proyección digital en Alta Definición. Aunque quizás las transnacionales ya tengan un plan de contingencia para mantener su dictadura. Por eso sigue siendo necesario regular de alguna manera la distribución de cine peruano. Esto va más allá de gustos y colores, la distribución es básica para crear continuidad e industria dentro de un país en donde sólo un $ 0.30 del precio de la entrada (quizás menos con la caída del dólar) va a parar al bolsillo del productor.

Es cierto, los cineastas y productores deben acompañar nuestro producto con una buena estrategia de marketing, prensa y de medios. Eso de "tienen que ver mi película porque es peruana" no funciona. Una creativa campaña de prensa es un medio indispensable. Hay empresas profesionales que se dedican a ello (aprovecho para hacer el cherry de Luciérnaga Prensa y Medios, propiedad de mi esposa). No es sólo eso, pues se deben tener las condiciones adecuadas para estrenar y poder mantener la película en los cines peruanos. Eso es algo vital. Si fuera así, si existiera cierto resguardo, no sería iluso pensar en la posibilidad de inversión privada para el cine. Es urgente buscar una fórmula para que la competencia sea honesta y así romper con un monopolio dictatorial que, a estas alturas, abusa de su poderío y por ende de los cineastas, los exhibidores y del propio espectador.

FOTO 1: Sin salida: La distribución en el Perú será tratada en un seminario. Más allá de aprender los mecanismos, es urgente implementar alguna suerte de regulación o negociación para que los cineastas e inversionistas tengan una plataforma segura en donde invertir.

FOTO 2: El Jefe: Trabajar en una distribuidora extranjera no es traicionar a la patria, es simplemente complacer a una empresa y un jefe que tiene ciertas directivas. No se trata de condenar, si no de alertar según experiencias propias.

FOTO 3: Alta Definición: La proyección digital se acerca y con ello no sólo la posibilidad de abaratar costos si no también de crear un circuito alternativo que convenga al productor, exhibidor y al público. Es decir, alentar la industria.
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HEATH LEDGER: 1979 - 2008



No he tenido mucho tiempo de escribir, sin embargo no quería dejar de lamentar la muerte de Heath Ledger. A estas alturas ya se ha dicho mucho de su talento. Casi todos lo emparentan a películas como "Brokeback Mountain" y la próxima a estrenarse "The Dark Knight". Sin embargo, debo confesar, sin vergüenza alguna, que descubrí por casualidad a Ledger en una película realmente encantadora. "Diez Cosas Que Odio de Ti" era una revisión de "La Fierecilla Domada" en clave de comedia juvenil. La cinta funcionaba muy bien y descubre tres grandes y jóvenes talentos: Joseph Gordon - Levitt (brillante en "Brick" y "The Lookout"), Julia Stiles (bella y misteriosa en la trilogía sobre Jason Bourne) y el gran Heath Ledger.

Su personaje un joven rebelde, quien caía rendido ante la fiera interpretada por Stiles, nos hacía presagiar las grandes cosas que haría posteriormente en películas como "Brokeback Mountain". Son pequeños presagios de los que uno se vanagloria. Quizás por eso uno siente tan cercana una muerte tan lejana en distancia. Admito que me costó creerlo. La noticia era realmente estemecedora. Heath Ledger hábía muerto en el mejor momento de su carrera. En todo caso, vale la pena recordarlo joven, talentoso y vital. Y que mejor que revisando "10 Cosas Que Odio de Ti", esa simpática comedia, plagada de buenos momentos como el que se muestra en el video. Aquí está Ledger cantando "Can´t Take My Eyes Off You". Un enorme talento cuya partida lamentamos sinceramente.
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PREMONICIONES: LAS NOMINADAS AL OSCAR


Nuevamente llega el momento. Y aunque es probable que no haya ceremonia y que la larga ceremonia de tres horas se reduzca a una simple pasada de lista con el nombre de los ganadores. Probablemente no haya musicales frívolos ni vestidos de noche. ¡Qué importa! Lo que interesa es saber quién compite, quienes ganan y quienes pierden. La decepción también es parte de la noche. Rara vez, los que ganan complacen a todos. Usualmente los resultados son decepcionantes. Otras veces hay sentimientos encontrados. El año pasado ganó Martin Scorsese. ¡Al fin! Pero ¿era “Los Infiltrados” la mejor de la terna? ¿Será que “Cartas de Iwo Jima” era mejor película? Pero vamos, Clint Eastwood ya ganó dos veces y a la vista de sus próximo proyectos seguro ganará más. En cambio, Scorsese se lo merecía.

Este año no hay grandes nombres en la terna. Y no es que no haya nombres importantes, me refiero a que no hay clásicos o deudas pendientes. Al menos así pienso yo. Al igual que el año pasado, vuelvo a hacer mis predicciones. Es un simple juego, tal y como lo dijo Alberto Servat en su blog, así que no lo tomemos tan en serio. A ver si le chunto.

MEJOR PELÍCULA

No Country For Old Men:
Todo parece indicar que la nueva película de los hermanos Coen las tiene seguras. Ha ganado un buen puñado de premios y se perfila como la más cercana al premio de la Academia. Tiene en contra su violencia, no siempre bien vista por los viejos académicos. “Los Infiltrados” ganó el año pasado, se inclinarán nuevamente hacia un violento thriller policial.

There Will Be Blood: La única película que le ha hecho la guerra a “No Country For Old Men” en esta temporada de premios. Un relato épico, dicho sea de paso, bastante violento también. Todo indica que también obtendrá la nominación, aunque Paul Thomas Anderson todavía tiene mucho camino por recorrer y eso podría afectar la decisión de la Academia. Mucha película independiente en el tapete podría ocasionar que “There Will Be Blood” sea desplazada en pos de ceder campo a un sorpresivo candidato.

Expiación: La cuota británica. Líder en nominaciones en los Globos de Oro, lo cierto es que no ha destacado mucho en el resto de premiaciones. Se trata de un drama bélico plagado de romance e interpretado por jóvenes estrellas como son Keira Knightey y James McAvoy. Dirigida por Joe Wright, su nominación al Oscar es bastante posible. Es el tipo de película que no falta entre las nominadas, aunque recientemente se quedó fuera de la terna de productores.

Juno: La verdadera apuesta independiente. Y no es que los Coen y Anderson no lo sean, pero digamos que su prestigio los avala. En cambio Juno es la segunda película de Jason Reitman tras la hilarante y desfachatada “Gracias por Fumar”. “Juno” no sólo ha tenido las mejores críticas si no que ha comenzado con buen pie en la taquilla norteamericana. La nominación no debería ser sorpresiva, pues al igual que Little Miss Sunshine mantiene el real espíritu independiente. Es decir, bajo presupuesto.

Sweeney Todd: Me encantaría que este 2008 sea el año de Tim Burton. Sin embargo, pienso que la Academia aún no está preparada para un musical tan sangriento y gótico como el que el genial director propone. Es cierto, se trata de un musical de Broadway, al igual que “Chicago”, pero con características muy particulares. La taquilla también ha sido decepcionante (muchos culpan al hecho de que haya sido estrenada en Navidad). Temo que de mi terna de cinco posibles candidatas, sea una de las que se quede afuera. A favor tiene el hecho de que pertenece a un gran estudio.

También vienen:

Into the Wild: Las películas dirigidas por actores suelen ser muy bien vistas. Y si pertenece a un talento como Sean Penn, pues aún mejor. Suena fuerte en las últimas semanas.

Michael Clayton: Estoy casi seguro que el drama judicial de Tony Gilroy desplazará a “Expiación” o “Sweeney Todd” (probablemente, y lamento decirlo, a ésta última). Hay quienes dicen que podría ser la gran sorpresa de la temporada. Nominaciones al gremio de los directores y productores la colocan en una posición expectante.

“The Diving Bell and the Butterfly”: Una cinta mitad norteamericana, mitad francesa, hablada en francés y dirigida por el norteamericano Julian Schnabel (dirigió a Santiago Magill en “Antes Que Anochezca”). Pues podría ser la sorpresa. Al tener capital norteamericano no clasifica como película extranjera. Además, la representante de Francia es la cinta animada “Persépolis”, la cual sorpresivamente no ha quedado entre las finalistas. Viene precedida de muchos premios.

“American Gangster”: Partió como favorita, pero se ha ido desinflando. Aún así su reputación es bastante grande (quienes la han visto dicen que es formidable). Ridley Scott en la mejor forma. Veremos si la Academia la considera.

MEJOR DIRECTOR

Joel y Ethan Coen (No Country For Old Men): Los hermanos Coen han ganado un premio como guionistas de “Fargo” y para muchos el 2008 la Academia podría hacer justicia así como lo hizo con Martin Scorsese. No creo que la comparación sea válida. No por inequidad de talentos si no por veteranía. Scorsese había perdido el Oscar en demasiadas oportunidades. Los Coen, justo o no, no acumulan tantas nominaciones. Aún así, eso no quita que este sea su gran año.

Paul Thomas Anderson (There Will Be Blood): Gran realizador, Anderson ha sido nominado al Oscar en dos oportunidades como guionista mas no como director. Las obtuvo por sus notables películas “Magnolia” y “Boogie Nights”. Así, sorpresivamente no consiga la nominación a mejor película, será candidato. Su talento debería ser reconocido como director. Eso la Academia lo tiene claro.

Julian Schnabel (“The Diving Bell and the Butterfly”): De no mediar sorpresas, la cinta de Schnabel no será candidata a mejor película. Sin embargo, la candidatura a mejor director es un premio al riesgo de filmar un film como “The Diving Bell…” Considero que su candidatura es casi segura. El reciente Globo de Oro lo confirma.

Sean Penn (“Into the Wild”): El Oscar tiene una actitud en común todos los años. Repartir equitativamente sus nominaciones. Es decir, si te quedaste afuera de la terna principal, pues no te preocupes tu talento es reconocido como director. Y aquí Sean Penn tiene muchas posibilidades. Su ventaja es que tendrá a los actores de su lado. Y eso también cuenta en cuanto a mejor película.

Tim Burton (“Sweeney Todd”): Colocar a Burton entre los candidatos tiene que ver más con el deseo de tenerlo en la terna que con lo que pienso que sucederá. En serio, espero con gran expectativa que sea nominado, pero me tinca que no será así. La Academia no está preparada para el cine gótico de Burton. Quizás nunca lo esté. Ojalá me equivoque.

También vienen:

Ridley Scott (“American Gangster”):
El veterano director ha vuelto con una gran película. Y aunque ésta no sea nominada, es muy probable que Scott consiga una nueva candidatura.

Tony Gilroy (“Michael Clayton”): Ya lo dije, “Michael Clayton” podría ser la gran sorpresa. Gilroy ha sido sorpresivamente nominado por el gremio de directores. A estas alturas parece ser el principal serrucho de Burton.

Jason Reitman (“Juno”): Usualmente la Academia premia a comedias independientes como “Juno” con la nominación a mejor película. Es probable que para ellos, no para mí, la candidatura a mejor dirección sea un exceso. Sucedió el año pasado con “Pequeña Miss Sunshine”. Veremos si la Academia da un giro inesperado con Reitman.

MEJOR ACTOR

Daniel Day Lewis (“There Will Be Blood”):
Ha ganado casi todos los premios. Siempre genial, dicen que cuando Day Lewis hace de villano, lo hace es aún más. Es el favorito.

George Clooney (“Michael Clayton”): El único capaz de aguarle la fiesta a Day Lewis. Tiene a su favor su enorme popularidad. Y en una edición tan golpeada como esta (debido a la huelga de guionistas), a la Academia podría convenirle darle el premio.

Viggo Mortensen (“Eastern Promises”): Aunque ha sido nominado a casi todos los premios, no ha conseguido ninguno. La película de Cronenberg ha sido olvidada pese a que muchos la consideran mejor que muchas de las favoritas. Lo mismo sucedió con la brillante “Una Historia Violenta”. Mortensen podría quien saque pecho por Cronenberg. Ojalá.

Johnny Depp (“Sweeney Todd”): Favorito del público, pese que éste no respaldo su película, Depp no la tiene sencilla. No es candidato a los premios del Sindicato de Actores y eso podría afectar su nominación. A su favor está el Globo de Oro.

Emile Hirsh (“Into the Wild”): Otra vez la película de Sean Penn. Definitivamente podría ser la sorpresa. Hirsh es un joven actor a quien pronto veremos convertido en Meteoro. Antes de hacer este personaje, ha sorprendido con su actuación en “Into the Wild”.

Josh Brolin (“No Country For Old Men”): Aunque casi no ha aparecido en las nominaciones, tengo la sospecha que la reaparición en el cine de Brolin (no sólo está en la película de los Coen sino también en “American Gangster” y “Planet Terror”) podría ser recompensada por el Oscar.

También vienen:

Denzel Washington (“American Gangster”):
Siempre es un posible candidato y ahora que vuelve a hacer de villano en “American Gangster” es un posible candidato. Además, actuó y dirigió “The Great Debaters”. Ya tiene dos premios en su haber.

Ryan Gosling (“Lars and the Real Girls”): A mi modesto entender, uno de los más grandes y jóvenes talentos de la actualidad. Su actuación en esta comedia es un cambio de registro de su intensa actuación en “Half Nelson”. Nominado por el Sindicato de Actores, lo que lo acerca nuevamente al premio de la Academia.

Frank Langella (“Starting Out in the Evening”): Veterano y gran actor, Langella podría dar la gran sorpresa. Muchos lo daban por seguro entre los nominados, otros incluso lo ponían entre los favoritos al premio. La Academia fácilmente podría darle la oportunidad.

MEJOR ACTRIZ

Julie Christie (“Away For Her”):
Gran favorita, Christie regresa a los premios por la puerta grande. Ganó en 1966 por “Darling” y no es candidata desde 1998. Además, interpreta a una mujer enferma de Alzheimer y a la Academia le encanta que los actores se metan en el cuerpo de personajes con alguna dolencia o mal.

Marion Cotillard (“La Vie in Rose”): La actriz francesa ha sonado fuerte desde el inicio por su interpretación de Edith Piaff. Pese al Globo de Oro recién recibido, no la tiene sencilla frente a la veterana Julie Christie.

Angelina Jolie (“A Mighty Heart”): Nadie duda de la nominación de la Jolie. Pese a su azarosa vida, su enorme popularidad, su matrimonio con Brad Pitt y sus constantes adopciones, “A Mighty Heart” ha sido el vehículo que necesitaba para demostrar lo talentosa actriz que es.

Cate Blanchet (“Elizabeth: The Golden Age”): Fue nominada en la primera parte y ahora que vuelve a interpretar a la reina en la secuela ha vuelto a enloquecer a los especialistas. Aparentemente será nominada por partida doble.

Ellen Paige (“Juno”): Un jovencísimo talento. Paige es una favorita de muchos y no sólo a ser nominada si no también a obtener el premio.Ha ganado varios galardones, entre ellos los otorgados por los críticos de Chicago, Phoenix, Florida y el Broadcast Film Critic y los Satellites Awards.

También vienen:

Keira Knightley (“Atonement”):
Poco a poco, esta joven actriz demuestra que es más que una cara bonita. Se trataría de su segunda nominación luego de “Orgullo y Prejuicio”. No debería extrañar que ingrese a la lista.

Amy Adams (“Enchanted”): La apuesta del cine familiar. Todos parecen adorar a Amy Adams. Ya fue candidata por la independiente “Junebug” y su papel de princesa Disney la colocan como una fuerte candidata.

ACTOR SECUNDARIO

Javier Bardem (“No Country For Old Men”):
Dicen que es el asesino en serie más inquietante desde Hannibal Lecter. Incluso hay quienes piensan que en un hipotético enfrentamiento (mismo “Celebrity Deathmatch”), el psicópata interpretado por Bardem se comería a Lecter. El español ha ganado casi todos los premios. Todo indica que el Oscar no le será ajeno.

Casey Affleck (“The Assasination of Jesse James by the Coward Robert Ford”): El hermano menor de Ben Affleck se consolidó totalmente en el 2007. Ha recibido grandes elogios por su protagónico en “Gone Baby Gone”, el alabado debut cinematográfico de su hermano. Lo mismo ha sucedido con “The Assasination…” opacando al mismísimo Brad Pitt. Por interpretar Robert Coward ha ganado varios premios y podría sorprender. El cobarde podría arrebatarle el premio al psicópata Bardem.

Tom Wilkinson (“Michael Clayton”): El actor británico podría volver a colocarse entre los nominados. La cinta de Tony Gilroy avanza con fuerza y esto beneficia a sus protagonistas. Podría ser una grata sorpresa tomando en cuenta el comprobado talento de este gran actor.

Hal Holbrook (“Into the Wild”): Veterano intérprete, Holbrook ha destacado mayormente en papeles secundarios, pero finalmente su talento es reconocido gracias a la película de Sean Penn. Sus 82 años y su enorme talento podrían influir en la decisión de la Academia.

Paul Dano (“There Will Be Blood”): Destacó en “Pequeña Miss Sunshine” y ahora en la nueva cinta de Paul Thomas Anderson. Podría ser la gran sorpresa en una categoría que usualmente brinda sorpresas. En todo caso, ya es bastante que Dano se haya medido con un peso pesado como Daniel Day Lewis.

También vienen:

John Travolta (“Hairspray”):
El popular actor luce encantador en la piel de una inmensa ama de casa en “Hairspray”. A mediados de año, daban por segura su nominación, pero el tiempo se ha encargado de mermar sus posibilidades. Eso sí, aún las tiene.

Philip Seymour Hoffman (“Charlie Wilson’s War”): Actor extraordinario, Seymour Hoffman ha destacado en “Charlie Wilson’s War”. Sin embargo, la película no ha despertado tanto entusiasmo como se esperaba, teniendo en cuenta que la dirige el gran Mike Nichols. Aunque con la Academia nunca se sabe.

ACTRIZ SECUNDARIA

Amy Ryan (“Gone Baby Gone”):
Favorita, Ryan ha pasado de ser una desconocida a una de las actrices con más posibilidades de llevarse la estatuilla dorada a su casa. La película que la ha colocado en la mira de todos es “Gone Baby Gone”, el alabado debut de Ben Affleck en la dirección. Ojo ha ganado ya varios premios por su intensa actuación.

Cate Blanchet (“I’m Not There”): No sería la primera vez que una mujer es nominada al Oscar por interpreter a un hombre. Linda Hunt ganó el premio por hacer de un reportero en “El Año Que Vivimos en Peligro”. Blanchet es una engreída del Oscar y ya ganó un premio por interpretar nada menos que a Katherine Hepburn en “El Aviador”. Esta vez es nominada por meterse en la piel de Bob Dylan. Quienes la han visto afirman que su trabajo es impresionante. Muchos la dan como ganadora aunque su doble nominación (como actriz principal por “Elizabeth: The Golden Age”) podría perjudicarla. Los votos se dividen en dos candidaturas y nunca suele ser una ayuda.

Catherine Keener (“Into the Wild”): Notable actriz, Keener vuelve a postular al premio esta vez por la película de Sean Penn. Fácilmente podría ganar, pues para Ryan es su primera nominación y Blanchet ya ganó el premio como actriz secundaria. Keener postula por tercera vez (primero por “¿Quieres Ser John Malkovich?” y luego por “Capote”) y eso podría inclinar la balanza.

Tilda Swinton (“Michael Clayton”): Nuevamente el buen “Michael Clayton” aparece y a estas alturas no es difícil adivinar que, de no mediar sorpresas, será una de las películas que dominará las candidaturas, sobre todo en lo que se refiere a actuaciones. Por lo pronto, Swinton es una de las actrices más destacadas del Hollywood actual y este año bien podría ser su año de reconocimiento.

Helena Bonham Carter (“Sweeney Todd”): No hay duda del enorme talento de esta gran actriz, musa de Tim Burton. Hace algunos años era favorita por su papel en “Las Alas de la Paloma”, pero Helen Hunt se le adelantó. Aunque no es favorita podría sorprender. Ojalá.

También vienen…

Michelle Pfeiffer (“Hairspray”):
Es verdad que no ha aparecido en muchas listas, pero su regreso en “Hairspray” podría ser suficiente para la Academia. Es una de las grandes bellezas del cine y su talento ya ha sido comprobado en más de una oportunidad. Su trabajo en el musical puede ser una gran sorpresa y una revancha tomando en cuenta su debut en “Grease 2”.

Vanessa Redgrave (“Atonement”): ¿Se puede decir algo de la sra. Redgrave? Siempre es una candidata en potencia. En realidad, cualquiera de las secundarias de “Atonement” podrían ser nominadas.
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"Para mi, el cine son cuatrocientas butacas que llenar". (Alfred Hitchcock)

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